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The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars (David Bowie)

David Bowie o cómo reinventarse a cada instante.
Así podría llamarse una crónica sobre el mítico cantante británico. Aunque quizá no sea del todo correcto utilizar el verbo reinventarse. Es más adecuado usar buscar y evolucionar. Bowie nunca dejó de explorar nuevas formas de expresión para hacernos llegar cómo se sentía. Tuvo siempre la capacidad de mejorar lo que le influía musicalmente. Y cuando decidía que el mundo podría estar preparado para saborearlo, lo lanzaba envuelto en su elegancia y versatilidad.
Con el álbum que hoy os traemos, uno de los mejores de su carrera, llegó a sus más altas cotas de creatividad.
Para empezar creó un Alter ego ¡extraterrestre!, Ziggy Stardust. Durante mucho tiempo desapareció Bowie de los escenarios y quienes querían verlo tenían que enfrentarse a una imagen trasgresora, siempre jugado con la ambigüedad sexual y con un discurso apocalíptico.
Son los comienzos de los años 70, inicio de una carrera espacial que tenía a medio mundo pendiente del cielo. Y El Duque buscaba un sonido propio, una nueva forma de trasmitir el mensaje, no de una canción, sino de todo un disco completo. Esa carrera que enloquecía al mundo le sirvió de excusa para crear un argumento con tintes extraterrestres y mensaje mesiánico, aunque el final no pudiera ser más mundano. En sus canciones nos habla de esa preocupación que teníamos sobre mundos desconocidos cuando aún no habíamos resuelto los problemas que teníamos a ras de tierra. Al final, todos sucumbiriamos a la fama y la riqueza. Triste mensaje envuelto en un formato tan bello.
En los pocos más de cuarenta minutos que dura el álbum, se pueden escuchar rock, soul o ritmos de sintetizador envolviendolos. Estaba popularizando el Glam. Con estilo propio y sin pretensiones comerciales en un álbum complicado, que no buscaba gustar sino la reflexión. Aparte de temas como Starman o Moonage Daydream, los otros siete temas restantes hay que escucharlos despacio y sin prejuicios hacia lo que se supone era David Bowie. Esa mezcla a veces cuesta entenderla y hasta su voz suena diferente en muchos momentos del disco.
Quizá los que han oído poco a David Bowie se sorprendan de lo arriesgado de su apuesta. Recordemos su importancia y la influencia en la música de los últimos 40 años y la cantidad de canciones que lo elevaron a la categoría de mito. Pero fue, precisamente, por giros tan radicales como este, por lo que su impronta cultural será eterna. Nunca fue un conformista que se consolaba de sus glorias pasadas. Nunca quiso subirse a las modas, al contrario, él las creó y les dió un sentido.
Cómo para no escucharlo. A él y a sus canciones.

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Loco por incordiar (Rosendo)

A estas alturas de la vida no voy a descubrir al maestro del rock español. Es cierto que no ha sido el primero, sin ir más lejos por este blog ha pasado Miguel Ríos, que tiene carretera y arte para dar y regalar. Tampoco ha sido el más fino estilista ni el más académico en sus formas. Pero Rosendo ha sido uno de los que más han llegado al público, sino el qué más.
Su secreto ha sido cantar a una generación que sentía como propias las letras de sus canciones. Su éxito ha estado marcado por la devoción de miles y miles de fieles que han coreado sus temas como quien recita una oración.
Y no lo tuvo fácil para despegarse de Leño, el grupo que le ha acompañado desde siempre. Como una paradoja del destino, el grupo que le encumbró estuvo a punto de hacer imposible su carrera como solista; ninguna discográfica le ofrecía un hueco a él y sus temas en solitario. Estaba muy fresca la corta pero intensa trayectoria de una formación que puso el rock, el rock más duro, en primera línea del panorama musical. Pero a Rosendo no hay quien le haga retroceder y con paciencia y tocando muchas puertas, consiguió publicar un álbum mítico.
Con solo nueve canciones, dejó una huella eterna en todo aquel que las escuchó. Muchas de ellas seguian siendo coreadas por sus fans en los últimos conciertos que dió antes de retirarse.
¿Quién no ha cantado Agradecido hasta la extenuación? Sus rift de guitarra y su estribillo nos sobrevivirán, seguro.
Tampoco podemos olvidar Pan de Higo, una declaración de intenciones en toda regla.
El resto de temas no desmerece en absoluto a las dos anteriores, pero tengo debilidad por ellas y siempre las pongo por encima de las demás. Algo muy subjetivo, lo sé.
Pero quien se acerque a este álbum no encontrará un disco con dos temas. En absoluto. Lo que hallará será una de las joyas de la corona del rock en España. Su impacto ha sido muchas veces refrendado por otros ilustres como Extremoduro, Loquillo, Barón Rojo, etc…
Un disco que nos ayuda a entender una forma de sentir la vida muy alejada de las estrellas de hoy. Rosendo, el gran Rosendo, solo necesitó su guitarra y la calle para ofrecer lo que necesitábamos: un ritmo sin tregua y unas letras del pueblo. Y nadie, aún, le ha superado.
Larga vida a Carabanchel.

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Rock & Rios (Miguel Rios)

Comienza el fin de semana, unos días de descanso que podemos emplear emplear desempolvar la colección de vinilos y disfrutar del rock and roll hecho aquí.
Era el año 1982, un año clave en la joven democracia, que recordarmos por mundiales de fútbol, congresos asaltados y una juventud que necesitaba desterrar la oscuridad de la que venía, y  llegó un rockero de la vieja escuela, que celebraba sus veinte años encima de los escenarios con dos conciertos y revolucionó para siempre este tipo de grabaciones.
Al contrario de lo que el sentido común marcaba, Miguel Ríos se empeñó en grabar antes de empezar la gira; lo usual para este tipo de grabaciones es hacerlo cuando la banda y el sonido ya llevan un recorrido. Pero si había que grabar un disco para la historia había que hacerlo a lo grande. Tan grande como el tema con el que comienza el álbum, hit de la época y uno de los temas más famosos de la música española, Bienvenidos se convertiría en el santo y seña del cantante, una canción que nos anticipaba todo lo bueno que vendría después. Temas nuevos como El blues del autobús se mezclaban en perfecta armonía con las canciones de siempre del cantante,  como El río o Santa Lucía.
Otra de las sorpresas que guardaba el álbum fue el celeberrimo Himno de la alegría, que fue pinchada hasta la saciedad por las radios fórmulas de la época.
Un trabajo que se hizo sublime por la aportación de una banda de músicos que quizá no sean tan conocidos para el gran público, pero imprescindibles para los mejores cantantes de la época.
Si hasta los pantalones del propio Miguel Ríos se convertirían en un icono de la época, aunque no todos podrían llevarlos con el estilo del granadino.
Todo ello hizo que el Rock & Ríos se conviertira en el mayor éxito del rock en España, con unas ventas desconocidas hasta entonces para ese estilo de música.
Un clásico, de vaqueros apretados y guitarras eléctricas, que nos hará saltar de nuevo sin descanso ni pausa.

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Appetite for Destruction (Guns N’ Rose)

Uno no puede dejar de pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor cuando ve una fotografía actual de Axl Rose. Como tampoco se puede dudar de que los excesos se terminan pagando. Pero que les quiten lo bailado y, a nosotros, lo disfrutado con su música.
Guns N’ Roses siempre fueron músicos de extremos. Nunca dudaron en escandalizar y ser admirados , y todo al mismo tiempo. Quien es capaz de sacar un álbum debut como éste,  dejando fuera canciones míticas de su discografía mientras editan una portada de tan mal gusto, solo podían ser ellos.
Un álbum que contiene algunas de sus mejores canciones, casi todas imprescindibles en un recopilatorio. Lo curioso es que muchas de ellas, aunque están firmadas por el grupo, son composiciones individuales anteriores a la formación.
Cierto es que hizo falta una producción firme y autoritaria para frenar los excesos de la banda. Por ejemplo, a Slash tuvieron que enseñarle que no siempre un rift salvaje de guitarra queda bien. O sugerir encarecidamente a Axl Rose que gritar no es cantar.
Porque es cierto que cuando hablamos del grupo, lo hacemos focalizandolo en ellos dos, los dos líderes. Y el refrán se aplica en ellos como un guante: demasiados gallos para un corral. Aunque este corral sea uno de los grupos más grandes de la historia. Y acabaron como todos suponían que lo harían.  Pero eso ya es otra historia.
Los años 80 y 90 fueron de ellos. Su influencia es total en la música posterior y el carisma de sus componentes incuestionable. Tan incuestionable como su capacidad de destruir y escupir sobre su recuerdo.
Pero a ellos se les perdona todo. No podía ser de otra manera a los creadores de Welcome to the jungle. Una canción que rebosa por los cuatro costados la esencia del grupo: Rock y polémica.
También dió para empezar a desarrollar su gustó por las baladas. Sweet Child o’Mine fue el primer tema de los 80 en alcanzar las 1000 reproducciones en YouTube.
El álbum completo es una sucesión de experiencias que mejoran con los años y el volumen alto, muy alto. No hay mejor manera de escuchar a estos músicos, a su estilo: sin dejarnos nada en la reserva.

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Let love rule (Lenny Kravitz)

Duele un poquito reconocer que en la actualidad Lenny Kravitz es más conocido por sus abdominales que por su música. Bueno, y para ser del todo sinceros, da bastante rabia verle con sus casi 60 años luciendo esa chocolatina… El caso es que sus últimos lanzamientos discográficos han pasado muy desapercibidos para el gran público y lo peor de todo, han dado razones a aquellos críticos que esgrimian que su música era copia de grandes como Hendrix, James Brown,etc…
Pero repasando su discografía perdemos la cuenta de las grandes canciones que nos ha legado, de los inolvidables rift de guitarra que han surgido de su talento y la capacidad asombrosa de fusionar estilos sin perder un ápice de su originalidad. Todo ello sabiendo que en sus discos ha sido él mismo quien ha tocado la mayoría de los instrumentos. Virtuosismo del que pocos músicos pueden presumir.
Hoy quería hablaros de su álbum de debut, quizá no el más conocido pero sin duda el mejor. La conjunción de rock, funk y soul en composiciones tan variadas como las que nos ofrece, merecen un sobresaliente lo miremos por donde lo miremos. Su música, tan mestiza como él , irrumpió a finales de los años 80 y consiguió llamar la atención siendo muy diferente a lo que sonaba por entonces. Sí, la palabra es diferente. Porque si escuchamos una sola canción podemos sacar similitudes con Michael Jackson, o si es una balada lo que ponemos en nuestro tocadiscos, seguro que se nos viene a la cabeza John Lennon. Pero el disco entero conforma un mosaico de músicas que no se habian juntado en un solo álbum; no con el éxito que tuvo Let love rule. Y hay que concederle que fue muy valiente, aparte de tener un talento descomunal, para enfrentarse a todo el mundo y hacernos vibrar con unos temas que ya forman parte de la historia de la música pero, que entonces, parecían un plagio de los grandes músicos americanos de los setenta y ochenta. Claro que esos mismos maestros se rindieron a Kravitz y comenzaron a trabajar con el, por algo sería.
Es el momento de subir el volumen, cerrar los ojos y disfrutar de este maravilloso álbum, homenaje a la música con mayúsculas.

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Born to run (Bruce Springsteen)

¡Casi medio siglo! Más de 45 años han pasado desde la publicación de esta joya. Y desde entonces muy pocos álbumes han podido estar a su altura. Un trabajo hecho con la condición de todo o nada.  Porque aunque solo era su tercer trabajo , la carrera de The boss pendía de un golpe de fortuna. Con poco más de 25 años, Springsteen no era ajeno a la situación económica en la que se hallaba USA, una gran recesión a causa del petróleo y que hizo aumentar los niveles de desempleo y pobreza a niveles anteriores a la segunda guerra mundial. Un panorama desolador que dejaba poco margen a los jóvenes artistas que buscaban su espacio. Pero era de justicia poética que su talento coincidiera con el productor adecuado …. y los músicos. Aunque la E-Street Band ya estaba, fue a partir de este álbum cuando despegó y entró por méritos propios en la inmortalidad.  La complicidad de Springsteen con algunos de sus miembros consiguió sacar algunos de los acordes más inolvidables de la historia del rock.  Siempre hubo polémica con la forma de gestionar la relación del cantante con la banda, pero él siempre lo tuvo claro: nada de democracia. Si se equivocaba sería su error . Si triunfaba sería por sus decisiones. Y los demás comprendieron que estaban ante uno de los músicos con más sensibilidad y talento. El resultado: el único músico de rock en ganar un Oscar, un Tony, un Emmy, un Golden Globe y una colección de Grammys que apabulla . También hay que reconocer que estar al lado se Clarence Clemons, uno de los más geniales músicos de su época, hace que tomar decisiones sea mucho más fácil. Atención a la portada del disco. Son ellos dos, en una posición de complicidad . Era 1975, y la tensión racial estaba por las nubes. Normal que esta foto se haya convertido en una de las más reconocidas y reivindicativas de la historia.

La mejor manera de escuchar esta joya es cerrar los ojos y dejar de sentirse normal.  Con su música, The Boss consigue que cada uno de nosotros seamos únicos y especiales.  Un monumento a la sensibilidad,  a la fuerza del rock y a las ganas de superar las dificultades. 

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Innuendo (Queen)

Nunca he dejado de emocionarme al escuchar este álbum, el último de la gran banda. Un disco de despedida grabado unos meses antes del fallecimiento de Freddie Mercury.

Un disco donde la voz del mejor cantante de rock sonaba más humana y débil que nunca y sin embargo, nunca había sido más conmovedora. Los componentes del grupo, en entrevistas posteriores han ido dando detalles sobre el estado de salud del cantante, de como fue el proceso de grabación y el sentimiento que flotaba en el estudio. La pasión de Mercury y su empeño por dejarnos estos temas siguen emocionando hoy en día.

Quisieron despedirse volviendo a sus raíces. A las de unos temas con una fuerte carga rockera. Aunque los efectos sonoros son muchos y el trabajo de estudio es abundante, las guitarras y la batería suenan más potentes y naturales que en sus anteriores trabajos. Brian May ofreció un recital con su guitarra en cada tema, aunque el sonido flamenco en la canción Innuendo es obra del gran Steve Howe.

Estamos sin duda ante el disco perfecto de homenaje. La debilidad de su salud impidió en muchas fases de su grabación que Mercury pudiera estar. Sin embargo, sus compañeros le ofrecieron, y de rebote a nosotros, unos temas y letras que demostraban lo implicados que estaban todos hacia el líder de la banda.

Por supuesto fue un éxito de ventas, el segundo mejor de su carrera. Pero lo más importante fue la mítica que dejaron sus temas. Los vídeos musicales, que mostraban los estragos de la enfermedad, la cuidada producción, donde más que en ningún disco de Queen, querían lograr un sonido tan potente como delicado. Igual que el estado de ánimo de Freddie Mercury. Siempre dispuesto a más y más aunque estuviese tumbado casi todo el día y se levantara únicamente cuando le tocaba grabar. Todo se unió para lograr uno de los trabajos más míticos del rock.

Imposible destacar un tema. Era una despedida, todos los temas están por algo. Y son imprescindibles. 

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The Joshua Tree (U2)

Llevo varias horas dándole vueltas a cómo escribir sobre U2 y su álbum más emblemático. Mi problema es que todo lo que escribo suena a cliché mil veces repetido. ¡Uno de mis discos preferidos y no encuentro las palabras que le hagan justicia!

Podría escribir sobre el éxito que supuso para el grupo la publicación de The Joshua Tree en 1987, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia.
Podría hablar sobre las canciones míticas que jalonan todo el LP.
Podría, incluso, elogiar la portada, reconocible hasta para los que no son seguidores de la banda.

Pero todo esto ya lo sabéis…

Cuando el grupo quiso dar un salto de calidad para llegar al público estadounidense, aprendieron nuevas formas de dar rienda suelta a su creatividad. Se acercaron a los sonido más autenticos de EEUU y los adaptaron a su propia forma de entender el rock. Supieron absorber los nuevos sonidos y fundirlos con aquellos que les eran más familiares y que los había llevado a una fama bien ganada en sus cuatro trabajos anteriores.

La emoción de sus letras, que recorren un camino que parte del amor, las complicadas relaciones de pareja, pasando por preguntarse cuestiones morales y volviendo para describir su Irlanda natal, son el complemento perfecto a unas melodías potentes. Un mensaje siempre a caballo entre la esperanza y la desilusión. Unos temas delicados en su composición pero potentes en su ejecución.

Posiblemente las desavenencias entre sus dos líderes, Bono y The Edge, se plasman en esas letras. Una rivalidad, que gestionada de maravilla por el productor Brian Eno, consiguió sacar lo mejor de cada uno de ellos.  Toda la genialidad de su música, una producción que remarcaba la batería, un sonido que buscaba desmarcarse de toda tecnología y unos conciertos irrepetibles conformaron un álbum que se disfruta de principio a fin.

Una delicia que más de treinta años después sigue sonando y emocionando como la primera vez.

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Songbook (Chris Cornell)

Hoy no es solo una reseña a un gran disco. Es también un pequeño homenaje a uno de los cantantes más importantes de la historia del rock. Ganador de varios premios Grammy y hasta de un premio Oscar, la importancia de su figura es indiscutible dentro del panorama de la música de los últimos 30 años.

En ocasiones, muy especiales, uno pone un disco y siente estremecer el alma, donde sólo queda cerrar los ojos y abandonarnos mientras la música nos inunda  hasta dejarnos sin aliento por la emoción. No son muchas esas ocasiones pero la voz de Chris Cornell consigue que mi respiración se detenga continuamente. 

En 2011 tuvimos la suerte de poder disfrutar de un disco acústico donde el vocalista de bandas como Soundgarden y Audioslave repasaba algunos de sus mejores temas y hacia dos versiones de Led Zeppelin y John Lennon.  Una lista de canciones que mostraban su calidad como compositor, como cantante y como alma de grupos que marcaron la historia del rock en EEUU.

Figura clave del Grunge, su sensibilidad musical hizo que sus colaboraciones abarcaran todo tipo de estilos musicales, y en todas ellas su voz sobresalía por encima del resto. En el disco que hoy nos ocupa su cálidad vocal se muestra en todo su esplendor. En una época de cantantes mejorados con software, es aún más palpable la voz única de Cornell. Pero también es una buena muestra de su dominio de la guitarra y de cómo era capaz de infundir alma a las seis cuerdas, conjuntando voz e instrumento y haciendo que incluso canciones que pasaron desapercibidas en su versión de estudio fueran aquí sentidas de una forma muy especial.

Hay verdaderas joyas dentro del álbum, pero yo querría destacar una por encima de las demás:  » I am the highway». Una preciosa versión donde todas las virtudes del álbum se juntan para darle un acabado perfecto.

Momentos para disfrutar de un artista que brilló de manera única.

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Californication (Red Hot Chili Peppers)

En el año 1999, Red Hot Chili Peppers estaba en riesgo de desaparecer después de un álbum que fue un fiasco en cuanto a crítica. Además, John Frusciante, guitarrista y voz, había salido de la formación por sus problemas con las drogas. El nuevo sonido no convencía a sus seguidores y la formación no encontraba la clave que los había hecho mundialmente famosos y que si habían conseguido en su álbum «Blood sugar sex magik».

Y llegó » Californication», con el regreso de Frusciante, la paz entre los egos de los cuatro componentes, el sonido fusión entre el rock, el punk y toques de funk, casi nada. El sonido de las guitarra volvió a ser limpio y con unas melodías inolvidables. El bajo de Flea sonaba preciso. Los ritmos de Chad Smith volvían a mandar. Y la voz de Anthony Kiedis resonó en cada estrofa de sus emocionantes letras.

Este álbum nos dejó algunas de las mejores canciones de los Red. En mi caso particular una que me ha acompañado desde entonces como uno de los temas de mi vida : «Otherside». Una canción que nos habla del infierno de la droga y su adicción, algo de lo que ellos son conocedores en primera persona.

Pero no es un álbum de un solo tema. Cuando oímos esta obra desde el principio es practicamente imposible destacar uno solo . No hay rellenos ni temas B.  Y vaya si se notó. Hasta la fecha es el trabajo con más ventas del grupo. Y varios de sus singles alcanzaron posiciones de privilegio durante semanas.  Empezando por «Scar tissues», la canción que se utilizó para dar a conocer este trabajo, pasando por «Californication», donde ironizan sobre la influencia del estado de California en la vida de los EEUU.

Pero lo más importante fue el reencuentro entre la banda y el público. La música de estos californianos conecta con las sensaciones más íntimas de cada uno. De igual manera que «Otherside» me impactó de manera brutal, estoy convencido que todos sus fans tienen ese tema que les representa y siempre estará en su corazón.

Un disco para empezar con fuerza un cálido fin de semana.